Le cinéma d'Impétueux

Mais quelle horreur !

L’année s’achève et, à l’approche de Noël et des joies chaudes de la famille, le triste mois de novembre me paraissait tout désigné pour mettre un peu de piment dans mon quotidien cinématographique. Je me suis donc passé les deux premiers DVD de la série Hostel, ceux qui sont réalisés par son créateur Éli Roth, série qui rivalise dans le genre trash avec les Saw d’horrifiante mémoire.

J’avais déjà vu le premier opus, qui commence comme un brave Very bad trip et s’achève dans les flots de sang attendus. Mais je ne connaissais du deuxième que quelques séquences captées par hasard sur Canal + naguère. La recette est à peu près la même dans les deux films : des Étasuniens fêtards et excités par le gouffre de vice que constitue, à leurs yeux, la vieille Europe, garçons là, jeunes filles ici, se font piéger et massacrer par de méchants riches qui payent, pour cela, de belles sommes à une florissante entreprise slovaque. Les Européens, et singulièrement les Européens de l’Est apparaissent dans les deux films comme des décadents malpropres et des sauvages sans scrupules. Ah ! Merveilleuse bonne conscience issue du protestantisme puritain ! (suite…)

L’âge de l’aurore.

Ce magnifique livre d’images porté par un souffle profond et une grande intelligence mériterait sûrement la note suprême du chef-d’œuvre si John Boorman avait pu, comme il l’envisageait, développer son sujet sur un temps plus long et faire ainsi mieux encore ressentir la subtilité de son propos. Selon Wikipédia, le réalisateur indiquait que  »son but (…) était de créer une sorte de «Terre du Milieu» au sens de Tolkien, c’est-à-dire «un monde contigu, semblable au nôtre, mais en même temps différent, situé dans une époque en dehors du temps» ; mais ceci avec la difficulté supplémentaire par rapport au Seigneur des anneaux de juxtaposer deux orientations, païenne et chrétienne. (suite…)

Le sens de la vie.

Voilà un téléfilm très intéressant, plutôt mieux filmé et mieux rythmé que les habituels sujets de société qui font florès sur les écrans et qui décrivent avec une volonté d’authenticité, de réalisme et de franchise des vies banales (banal n’est pas un mot péjoratif : je l’emploie en antonyme d‘aventurier et des films où l’on montre, par exemple, la traversée du désert de Gobi par un cycliste asthmatique ou l’ascension du Machu Pichu par un unijambiste daltonien).

Il faut dire que le format de 52 minutes est excellent et permet d’entrer, sans ennuyer, dans la vie quotidienne de deux jeunes filles du siècle, malheureusement engluées dans les tourments du même siècle. (suite…)

Les fées sur le berceau.

Pour un coup d’essai, c’était un coup de maître et Pierre Granier-Deferre dont c’était quasiment l’entrée dans le cinéma (son premier long-métrage, Le garçon de l’ascenseur n’a pas laissé de traces !) réussissait un de ces films dont, presque cinquante ans après, on se souvient goulûment alors que, sortant dans des salles assez secondaires, ils n’étaient pas forcément promis aux feux éternels de la rampe.

Il est vrai que le réalisateur était richement aidé par un titre formidable (qui dira un jour le charme de ces titres euphoniques et rythmés, comme Razzia sur la chnouf ou Les femmes s’en balancent ?), par un climat général propice et par une réunion de fées autour de son berceau. (suite…)

Vestiaire de l’enfance.

Si ma note est un peu supérieure à la moyenne – mais de très peu, et presque avec regret – c’est bien grâce à deux choses. D’abord, le superbe aphorisme de François Truffaut : Les jambes de femmes sont des compas qui arpentent le globe terrestre en tous sens, lui donnant son équilibre et son harmonie, aphorisme dont il était si fier, à juste titre, qu’il l’emploie deux fois dans le film. Ensuite, et surtout, grâce au jeu de Charles Denner qui a trouvé, dans L’homme qui aimait les femmes le premier rôle qui le fera demeurer pour toujours dans l’histoire du cinéma. C’est un peu comme Michel Galabru avec Le Juge et l’assassin ou Charles Blavette avec Toni : une grâce rare donnée à des acteurs de second plan d’être mis en scène dans un rôle idéalement fait pour eux. (suite…)

Poissons volants et majorité de l’espèce.

C’est là un excellent ouvrage tout empreint de la fameuse Qualité française et des talents conjugués d’une équipe solide formée d’Henri Verneuil, de Michel Audiard et, naturellement, d’un Jean Gabin pour qui le rôle a naturellement été écrit.

Mais voilà que paradoxalement le brave gars éternel persécuté de la vie des années d’Avant-Guerre, l’homme mûr aux épaules larges et à la baffe facile ressuscité au cinéma depuis Touchez pas au grisbi se met à terriblement ressembler à un vieux sanglier solitaire revenu de tout.

Le Président Émile Beaufort est-il conçu à l’image de Georges Clémenceau ? Oui, sans doute et de façon presque évidente. Mais il est aussi, dans sa sévère retraite campagnarde, une évocation du général de Gaulle enfermé à La Boisserie avant qu’on soit bien obligé de le rappeler pour éviter la faillite de la France un an et demi avant le tournage du film ; on peut certainement glisser ici et là d’autres inspirations : Aristide Briand, voire Édouard Herriot (davantage, il est vrai, pour une certaine ressemblance d’allure que pour une parenté intellectuelle).

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Ma seule amie, c’est mon flingue…

J’irais volontiers jusqu’à comparer Full metal jacket, avant-dernier film de Stanley Kubrick et Barry Lyndon (le film que tout le monde apprécie) sous l’aspect de la perfection formelle et de la beauté picturale des images (et peut-être aussi, mais là je fais de la provocation, de l’absence d’intérêt de l’intrigue). (suite…)

Exercice de style léger.

Quatre aventures de Reinette et Mirabelle est vraiment un Rohmer mineur, exclusivement destiné à ses amateurs inconditionnels (parmi qui je me range) mais qui désarçonnerait ou décevrait sans retour ceux qui auraient la mauvaise idée de commencer par ce film un parcours rohmerien. On sent bien que ces saynètes, intelligemment contées comme toujours, s’appuient sur bien peu : des situations vécues par l’auteur ou survenues à des proches et contées à lui, liées un peu artificiellement dans une dialectique parole/silence qui n’est pas très convaincante… (suite…)

Comédie triste.

On a décrit avec beaucoup de justesse le climat général de Tandem : Film sur la vieillesse, le temps qui passe, l’échec et la solitude. C’est tout à fait cela, et plus on le revoit, plus on est frappé de cette désespérance. Comédie à l’italienne, évidemment et aussi personnages à la Houellebecq, à peine colorée par la relation Maître/Valet qui introduit le ressort comique (devant la seule part de tarte restante, Rivetot (Jugnot) à Mortez (Rochefort) : Prenez les fruits, j’adore la pâte). Qu’ajouter à ça ? (suite…)